La Caida de la Casa Usher: Edgar Allan Poe.

Comparación de la obra literaria de Edgar Allan Poe y su adaptación cinematográfica de 1960 dirigida por Roger Corman.

¿Cómo iniciar un análisis comparativo entre una obra literaria como “La Caída de la Casa Usher” de Edgar Allan Poe y su adaptación al fílmico?.

Se intentará crear un paralelo entre las dos versiones de esta historia mediante la descripción de sus factores fundamentales en oposición.

Puntos Nodales:

- Personajes

- Guión

- Tiempo

- Atmósfera General.

- Diferencias y Similitudes.

- Reflexión Final.

Personajes:

Obra Literaria: Roderick Usher y Madeline Usher y el personaje Narrador.

Adaptación Cinematográfica: Roderick Usher y Madeline Usher, Philip Winthrop y El Criado.

2. Guión:

Si bien la adaptación de Roger Corman mantiene un soporte básico tanto del guión como de los personajes de la obra de Edgar Allan Poe, es conveniente hacer hincapié en que el director de este film adaptó la obra desde una perspectiva un tanto libre, optando por cambiar las relaciones entre los personajes principales, lo cual provoca un giro rotundo en todo el espectro de diálogos, en los ambientes y en la tensión que en consecuencia le genera al espectador.

Una diferencia clave: el narrador en la obra literaria de Poe, quien resulta ser un viejo amigo de Roderick Usher, compartirá con el toda esta terrible historia, mientras que en la versión adaptada por Roger Corman, el personaje que llega a la casa es el prometido de Madeline Usher y actúa como la contraparte o antítesis de Roderick. Es importante subrayar esta diferencia ya que es rotunda y genera que toda la historia circule por otro camino.

3. El Factor Tiempo:

Hablamos de un principio fundamental a la hora de diferenciar las versiones de esta increíble historia.

En la adaptación realizada por Roger Corman, la sucesión de hechos se da en un tramo medido en solo un par de días. Esto no se genera de la misma forma en la narración de Poe. El tiempo es difícilmente calculable ya que el texto nos ahonda en un ambiente onírico en el que el paso de los días es extremadamente difícil de reconocer. En este sentido, tanto la adaptación francesa de esta historia (La Chute de la maison Usher -1928- Jean Epstein) como la americana (The Fall of the House of Usher -1928- James Sibley Watson y Melville Webber) se apegan de manera mas fiel a esta sensación de pérdida del tiempo.

Se podría decir que el texto induce al lector a una especie de trance espacio-temporal, en el que las palabras, son una vía para mantener el estado narcótico que el autor pareciera haber creado deliberadamente.

Este ambiente “narcótico”, en el film no se genera, ya que hay quiebres en la narración realizados para mantener al espectador en vilo. La diferencia entre los días está completamente marcada en el film por los fundidos y demás técnicas de edición.

4. Atmósfera General (Comparación):

En la obra original, el ambiente en el que se sumerge el lector es profundamente melancólico, triste, gris y más que nada, apesadumbrado. Roderick Usher hace referencias a su enfermedad, la cual lo mantiene encerrado en su eterna morada. Este tipo de citas logran acertar en el lector, haciendo que uno pueda entender la melancolía característica del personaje y por lo tanto, comparta el mismo tipo de sensaciones.

Estos climas cambian en la versión cinematográfica. Difícilmente uno pueda entrar en el mismo ambiente que el texto propone, por el simple hecho de que esta versión contiene demasiados cambios en su estructura (cortes principalmente) que funcionan para generar dinámica y no aburrir al espectador, mientras que en el texto se intenta hacer caer al lector en una especie de trance, como previamente se mencionó. Por lo tanto, hablamos de dos tipos de ambientes o climas totalmente diferenciados.

5. Diferencias y Similitudes:

Existen una multitud de diferencias, ya que como previamente se mencionó, esta adaptación es bastante libre. Sin embargo, algunos factores fundamentales del texto se mantienen.

En la versión cinematográfica se incluyo a un personaje tipo “mayordomo” que en varias oportunidades dialoga con los otros personajes y hasta es partícipe en las escenas principales. En el texto se lo nombra como un “criado”, solo aparece determinadas ocasiones y no tiene mayor incidencia.

Madeline Usher: En la narración de Edgar Allan Poe, su figura es una entidad casi espectral, apenas aparece en la línea histórica y solo la conocemos en base a referencias del narrador y de los demás personajes. Roger Corman decidió incluir este personaje de otra manera en el film. Su persona tiene voz sobre los hechos que se pueden observar. De hecho su figura aparece a menudo en la cinta y se la puede ver dialogando con los demás personajes de manera dinámica. En este caso, el director del film se ha permitido un cambio radical.

Philip Winthrop: El prometido de Madeline Usher y el personaje principal en la versión de cine. Otra diferencia rotunda, ya que en el texto, el personaje que llega a la casa no tiene nombre, solo conocemos sus motivaciones para entrar a la morada Usher, ya que fue invitado por Roderick para acompañarlo en la enfermedad que este llevaba sobre su cuerpo.

La Familia Usher: Roger Corman cambió completamente la esencia de la familia Usher. En el film, la familia es retratada como una serie de asesinos, corruptos y prostitutas capaces de las peores vejaciones. En el libro de Poe, la familia tiene una connotación inversa. Se la retrata desde una visión caritativa. Además Poe hace hincapié en que la enfermedad que posee Roderick Usher es una cuestión hereditaria.

En el texto, los hechos suceden de otra manera. El personaje narrador y Roderick Usher pasan sus días entre la lectura y la música (son amigos de hecho), teniendo en cuenta algunos sucesos misteriosos que inciden en sus vidas en la casa. En el film se genera una relación romántica entre el personaje principal y Madeline Usher. Es necesario aclarar que esta relación está totalmente inventada y nunca sucede algo remotamente cercano en el texto.

Roderick Usher: Su personaje esta descripto en el film de una manera similar a la de la versión de Edgar Allan Poe, por lo menos desde el aspecto “espiritual”, ya que en las dos versiones se lo nota como una persona triste, fría y extremadamente melancólica. A pesar de esto, en el film se lo entiende desde otra perspectiva, “maligna” por decirlo de alguna manera, pero esa cualidad de tristeza innata se puede apreciar desde el inicio del film.

La casa Usher: En las dos versiones se la puede observar-imaginar estilísticamente similares. Una casa gigantesca, rodeada de naturaleza muerta, resquebrajada en su estructura y ahogada en vapor de un profundo tono gris. El aura que rodea esta morada es terriblemente oscura y triste.

El Final: Si bien el guión es diferente, la escena es similar en tono y acciones, el reencuentro entre Madeline y Roderick se concreta y la casa sucumbe inevitablemente. De cualquier forma, el final en el texto es aterrador. El film recorre otro espectro, más cercano al de la pérdida del ser amado, incluso con un tono liberador.

6. Reflexión Final:

En esta adaptación fílmica dirigida por Roger Corman ¿se mantiene viva la esencia que le transmitió Edgar Allan Poe a su obra?.

Desde este análisis la respuesta es un no.

Roger Corman adaptó la narración de Poe con una mirada diferente y añadió elementos extras a la historia que desde esta perspectiva, cambian la esencia original del texto de Poe. Personajes que nunca actuaron en el texto, en el film son centrales. El ambiente onírico y narcótico que Poe retrata y hace llegar al lector, nunca es conseguido por Corman en la versión cinematográfica y hasta parece quedar de lado, mientras que en el libro es total y completamente fundacional.

Con esto, no se intenta restarle mérito al film de Roger Corman, de hecho, la actuación de Vincent Price retratando a Roderick Usher es simplemente magistral y en consecuencia el film posee una buena cuota de diversión y algunos toques de suspenso muy bien logrados.

Sin embargo, se llega a la conclusión de que adaptaciones previas de la obra de Edgar Allan Poe como la francesa (La Chute de la maison Usher -1928- Jean Epstein) o la americana (The Fall of the House of Usher -1928- James Sibley Watson y Melville Webber) resultan más fieles a la visión que fue publicada por primera vez en septiembre del año 1839 en el Burton’s Gentleman’s Magazine.

Olivera Pablo

Bésame tonto (Kiss me Stupid) 1964

Director: Billy Wilder

Guión: Billy Wilder & I.A.L. Diamond (Teatro: Anna Bonacci)

Música: André Previn

Fotografía: Joseph LaShelle (B&W)

Reparto: Dean Martin, Kim Novak, Ray Walston, Felicia Farr, Cliff Osmond, Mel Blanc, Henry Gibson, Barbara Pepper, James Ward, Doro Merande, Howard McNear

La acción transcurre en Climax, un pequeño pueblo de Nevada en Estados Unidos. En este lugar vive Orville Spooner (Ray Waltson), profesor de piano y compositor frustrado que junto a su amigo Barney Millsap (Cliff Osmond), quien compone las letras, intentan hasta el cansancio lograr tener un hit de ventas para tener fama y fortuna. La suerte de estos dos personajes cambiara cuando por una cuestión del destino el cantante pop Dino (Dean Martin) aparece por el pueblo. Orville y Barney harán lo imposible para venderle una sus propias canciones a Dino, llegando a elaborar un plan muy descabellado.

Un tema principal que se trata en la película es la infidelidad. La paranoia constante de Orville de que su esposa Zelda (Felicia Farr) le es infiel lo hace sospechar de todo hombre que hable con ella y constantemente la espía y persigue.

Así también se muestra la extraña relación que se genera entre Polly pistolas (Kim Novak) (una prostituta a quien contratan para hacerla pasar por Zelda) y Orville. Los dos se dejan llevar una noche sabiendo que todo iba a volver a la normalidad al día siguiente. Y en forma paralela Zelda, haciéndose pasar por Polly, mantiene relaciones con Dino para convencerlo de que le compre una canción a Orville. De este modo se invierten los roles entre la ama de casa clásica y la prostituta.

La música tiene un rol fundamental y constantemente esta presente durante todo el film. La repetición en distintos momentos de la película y el tono pegadizo de la canción de Sofía hace que el espectador termine con la melodía grabada en la cabeza.

Bésame tonto no es una comedia inocente debido a que hace una critica social jugando con los roles que cumple la mujer y mostrando el perfil de las celebridades de Hollywood a trabes del personaje de Dino.

Andrés Francia

Sunset Boulevard (1950) Billy Wilder

DIRECCIÓN: Billy Wilder.

GUIÓN: Charles Brackett, Billy Wilder, D. M. Marshman Jr.

ACTORES: Gloria Swanson, William Holden, Erich Von Stroheim, Nancy Olson, Jack Webb, Cecil B. De Mille, Hedda Hopper, Buster Keaton, H. B. Warner.

PRODUCCION: Charles Brackett.

MÚSICA: Franz Waxman.

FOTOGRAFÍA: John F. Seitz.

MONTAJE: Arthur P. Schmidt.

Comenzamos con una patrulla de policías, muchos periodistas, un cadáver flotando en la piscina de una mansión en pleno Subset-Bvlb y una voz en off contándonos que se produjo un homicidio. Unos minutos después descubrimos que esa voz en off es la del cuerpo que flota en la piscina, el cuerpo de Joe Gillis (William Holden). Aquí es cuando todo comienza a tornarse macabro y oscuro.

Joe Gillis, un frustrado guionista de películas, desempleado por el momento y a punto de perder su auto y apartamento, deja de correr en busca de trabajo para correr del departamento de rentas. Esto lo hace terminar escondiéndose en lo que parecía ser una abandonada mansión y aquí aparece la tentación, el egocentrismo, la necesidad, la desesperación, todo al mismo tiempo. Para alguien que escapa del departamento de rentas lo mejor seria encontrar una casa abandonada, sería como una bendición del cielo, pero lo que Gillis no imaginó es que la bendición y la perdición van prácticamente de la mano. Este perfecto lugar encontrado por Joe, resultó ser la “humilde” morada de Norma Desmond (Gloria Swanson) quien fuera una de las más grandes estrellas del cine mudo, ya olvidada y totalmente desaparecida de las cámaras. El hecho de que Gloria Swanson interprete este papel no es casual, veremos muchos puntos en común entre el personaje y ella en su vida real. Pero centrémosnos en su extravagante personaje, vil, malvado, desconectado por completo de la realidad. Ya la primera vez que vemos a Norma la encontramos entre penumbras, vestida totalmente de negro con una actitud extremadamente sospechosa y si hablamos de sospechoso cómo no nombrar a Max von Mayerling (Erich von Stroheim), su mayordomo, personaje que sembrará intrigas a lo largo del film.

Volviendo a Norma Desmond, a quien siempre veremos desenvolviéndose entre sombras, con ropa oscura, gafas y, como gran film negro, siempre con cigarrillos y alcohol. A medida que la película vaya corriendo veremos que Desmond se va tornando cada vez más misteriosa y, como si fuera algo directamente proporcional, a medida que aumenta el misterio de Norma Desmond aumenta el misterio en su criado, Max von Mayerling, quien al igual que ella se moverá entre las penumbras con su ropa oscura, pero de manera extremadamente sigilosa, siempre con la seriedad de una estatua. También veremos que a medida que Joe Gillis se vaya involucrando más con Norma Desmond se ira tornando más oscuro, más misterioso, podríamos decir que la ex estrella del cine mudo lo va manchando de a poco, así tal cual debió haber hecho con Max. Todo lo que este en torno a Norma se volverá oscuro. Vale decir que Max dirá una de las líneas más trascendentales y sorprendentes de todo el largometraje.

Una vez que en esta obra de arte entre en juego Betty Schaefer (Nancy Olson) veremos una cierta tensión sexsual, muy leve en su primer encuentro con Joe, pero ya extremadamente notoria en el segundo, la fiesta de año nuevo. Esta tensión entre ellos se mantendrá hasta el final, tratando de disfrazarse de amor y llegando a ser la perdición de Norma Desmond. Veamos, si comparamos a Norma con Joe a simple vista, son el polo opuesto y Betty es exactamente el contraste de Norma, por lo cual es justamente lo indicado para Gillis ¿Pero hasta que punto Joe Gillis es mejor persona que Norma Desmond? ¿Resulta ser menos misterioso? ¿Tiene menos misterio su forma de actuar? Claro que no, por eso no es inesperado el final, del cual ya sabemos una parte con anticipación, pero no por eso deja de ser sorprendente, amargo para algunos, dulce para otros, depende del lado en que nos posicionemos.

Milton Soñez

Una Eva y Dos Adanes (1959) Billy Wilder

De título original Some Like it Hot esta película procede del año 1959 y de Estados Unidos. Dirigida (y guionizada) por el brillante Billy Wilder tiene en su plantel protagónico a Tony Curtis, Jack Lemmon y Marilyn Monroe.

Una Eva y dos Adanes dirigida por Billy Wilder, es una comedia o desde mi óptica una tragicomedia.
Dos músicos, Joe (Tony Curtis) y Jerry (Jack Lemmon), presencian una masacre en Chicago, estos huyen para no ser atrapados por los Gangsters, los cuales quieren deshacerse de los únicos testigos. Los músicos al no tener dinero, se visten de mujer e ingresan a una banda de músicos, para no ser encontrados por  la mafia.
Hay escenas dónde la oscuridad se refleja por medio de los Gangsters que dominaban el territorio - tiroteos, persecuciones y oscuridad en las primeras escenas- pero a su vez lo encadena con una serie de tramas muy cómicas protagonizadas por los músicos, que con sus penurias no llegan a pagar su hospedaje diario, ni a tener  acceso a un justo sueldo para satisfacer sus necesidades.

El alcohol aparece nuevamente en referencia con otras películas antes vistas en la cátedra. Vemos al inicio del film, cómo los de la mafia huyen con una ataúd cargado de finas bebidas alcohólicas para alimentar un aparente funeral, que escondía un típico bar  de la época, dónde se podía beber algunas bebida ilegales y observar mujeres bailando en los escenarios . Desde ahí el rol del alcohol juega un papel de protagonista, ya que se ve en todas las escenas. Desde “Sugar” ocultando su vicio, hasta los músicos escondiendo a éste en sus equipaje.

Sin lugar a dudas fue la película más apasionante y divertida. Las estrategias por parte de los actores para escapar de lo que podría ser una muerte anunciada, detrás de unas faldas y unos escotes. El encanto, y la belleza de Marylin Monroe protagonizando a “Sugar” hace de una “Eva y dos Adanes”, una apasionada, y a la vez cruel película que a mi parecer encuentra rasgos del cine oscuro, pero en cierta forma quiere deslindarse de ese género y encontrarse en otro ámbito, no de lo cruel y lo oscuro, sino de lo cómico.
Es bastante singular como utilizan una serie de estrategias para escapar de aquello que les pueda producir una nueva complicación. En primer lugar el entrometerse con los Gangsters, en segundo lugar conocer a “Sugar”, y enamorarse en de ella. Desde ahí ocultar su doble identidad por así decirlo, de músico y mujer  va a ser realmente apasionante y a  la vez un tanto complicado.

Juan María Benitez

Trailer::

Un análisis de Kiss me Stupid, Piso de soltero, Sunset Boulevard, Una Eva y dos Adanes De Billy Wilder

En estas películas tiene una gran importancia la banda sonora, la música es un elemento muy importante: Kiss me Stupid comienza con un musical, y en la segunda película tiene una gran importancia en escenas como cuando Fran Kubelik (Shirley MacLaine) está tomando un trago con J.D. Sheldrake (Fred MacMurray), y él dice “la misma música”, es decir…lo retorna a un pasado donde ellos habían estado juntos, y es ese mismo compositor quien saca un disco y Fran se lo regala a Sheldrake. Igualmente, más tarde, en Kiss me Stupid, se le da muchísimo tiempo a la música dentro de la casa del desconfiado profesor de piano Orville (Ray Walston). Se podría decir que esta película, en general, ronda sobre el tema música, ya que luego se “asocian” el cantante de música, Dino (Dean Martin) con este pianista. Así mismo en Una Eva y dos Adanes, la música juega un papel fundamental en la trama de la película, ya que los personajes principales, Jerry, Joe y Azúcar (Jack Lemmon, Tony Curtis  y Marilyn Monroe) son músicos, y viven de ello.

De la misma manera, está presente la idea del hombre orgulloso porque una chica lo quiere, o hace algo…en Kiss me Stupid, en el musical del principio la letra dice “Es increíble, es maravilloso que te preocupes por mi”, mientras que en Piso de soltero, CC Baxter (Jack Lemmon) atribuye el intento de suicidio de Fran a su persona, diciendo que se siente alagado de que una mujer haga eso por él, cuando en verdad ella no lo hizo por Sheldrake. De la misma manera lo está en Sunset Boulevard cuando Norma Desmond (Gloria Swanson) se corta las venas por el señor Joe Gillis (William Holden).

Así como en Piso de soltero Fran se sobredosifica con somníferos por  un hombre, en Kiss me Stupid la mujer de Orville se alcoholiza por el supuesto engaño que su marido le hizo y en Sunset Boulevard, se corta las venas.

(Una Eva y dos Adanes)

Así mismo están presentes en las películas las cuestiones de amor, sexo, y principalmente la  infidelidad con su respectiva desconfianza. Demás está decir la presencia de cuestiones sexuales en Una Eva y dos Adanes, especialmente en la escena donde Marilyn Monroe se encuentra en un yate con Joe, el “dueño de la petrolera Shell”, e intenta hacer que él sienta algo. De la misma manera se maneja muy bien la tensión en estos films, tanto como cuando no queremos que Baxter sea descubierto por un compañero de trabajo en el momento en que llega al departamento, cuando Fran está desvanecida en la habitación, y, en Kiss me Stupid, se da esta situación cuando  

-por ejemplo- Orville no quiere que su mujer, Zelda (Felicia Farr) descubra que Dino está en su casa. En Una Eva y dos Adanes la tensión está presente todo el tiempo, desde que ellos se encuentran como testigos en un asesinato cometido por unos gángsters hasta cuando se disfrazan de mujer, donde no queremos que los descubran; desde allí la tensión va en aumento, principalmente en todos los juegos que realizan, por ejemplo con Marilyn cuando van a un yate que no es de Joe, donde se maneja la tensión todo el tiempo porque no sabemos qué va a pasar, y ni hablar de la escena final: cómica y intrigante.

(Sunset Bv.)

Es muy divertido ver cómo Billy Wilder (director de los films) “juega” con la censura del código Hays, el cual dice “Las exhibiciones del cuerpo están prohibidas. El ombligo también”, de esta manera, el director, introduce un club nocturno (nada más ni nada menos) llamado “El ombligo” donde podemos ver, una vez adentro, una mujer con un diamante en el ombligo, y clientes riéndose del mismo. Un gran juego donde, disimuladamente, se violan las leyes de censura, principalmente en la casa del pianista, cuando ella estornuda y se le muestra en primer plano el ombligo al desnudo. También encontramos una violación en Una Eva y dos Adanes, ya que el código no admite el travestismo, y Wilder lo muestra disimuladamente en dos hombres que se disfrazan de mujer.

Es muy bueno el final de Kiss me Stupid, donde todos los planes entre el pianista y su amigo de la estación de servicio (llevar a una mujer que trabaja en un club nocturno haciéndola pasar por su esposa por miedo a que Dino se enamore de la verdadera) se caen completamente cuando la señora Orville está durmiendo en la “casa” de Polly the Pistol, la mujer del night club (Kim Novak), cuando Dino entra creyendo que la esposa de Orville es Polly…y asi terminan teniendo un encuentro amoroso entre ellos, destruyendo los planes. De la misma manera que el señor Orville termina teniendo sexo con Polly, creándose una infidelidad paralela entre esposo y esposa.

Tanto en Sunset Boulevard, como en Kiss me Stupid y en Piso de soltero hay un apellido que se repite incansablemente pero encarnado en distintos personajes: SHELDRAKE. ¿Es algo especial, o a qué se debe tanta repetición?.

(Kiss me Stupid)

En Sunset Boulevard, la comedia se deja de lado, pero solo un poco, porque a pesar de ser una historia dramática, y hasta a veces triste (porque quien no diría que la vida de Norma Desmond en la mansión es patéticamente triste), se torna un tanto graciosa al tocar temas como la preocupación por la muerte de un mono, a lo que Joe Gillis dice que será el nieto de King Kong, o por ejemplo cuando Desmond lo imita a Charles Chaplin. Pero haciendo una vista general, la película es negra; podemos ver esto en ese bendito juego de luces y sombras tan característico del cine negro: la película comienza con la muerte de una “estrella” en un tono negro, oscuro, mientras que cuando se pasa a la otra escena, donde es Gillis vivo el que relata, la pantalla recupera la claridad.

Pero no hay un detalle menor develado con estas sombras: la casa de Norma Desmond es extremadamente oscura  y sobrecargada de adornos, da un sentimiento de ahogo, de opresión, anticipándonos que algo sucederá y eso que pasará tendrá relación directa con esa casa: dicho y hecho, Gillis muere disparado por su amante, Desmond.

Es gigantesco el paso que se da desde un lugar de festejo (la mansión de Desmond) donde es todo oscuro, música melancólica, silencio y puras habladurías sin sonrisas, a la otra fiesta de los amigos de Gillis, donde es todo risa, baile y mucha música divertida.

En esta película como en las otras dos anteriores existe la infidelidad, y el deseo…siempre presente entre dos personas. En este film, Gillis se enamora de la mujer prohibida: la novia de su amigo, Betty Schaefer (Nancy Olson) mientras que la señora Desmond se enamora del hombre equivocado, que no la desea: Gillis. Pero todo parece darse vuelta cuando Gillis se entera de que Desmond se quiso suicidar por su culpa, y aquí otro elemento en común en las tres películas: ¡suicidarse por un hombre!...aunque siempre es un suicidio “fallido” ya que nunca mueren porque son atendidas a tiempo.

(Piso de soltero)

Pero volviendo a los romances, esa “vuelta” de Gillis es totalmente falsa…él la usará pero seguirá enamorado de Betty, la cual, al tiempo se da cuenta de que ella también lo está y por fin, el beso…una infidelidad nuevamente.

Desde allí todo parece cambiar: la oscuridad de la casa se disipa con la claridad del patio, donde todo parece felicidad…pero ese mismo patio, donde todo era felicidad y todo era claro, se oscurece al final del film para mostrar solo un sector del mismo: la pileta, totalmente blanca en contraste con el fondo…y el cuerpo de Gillis flotando tras haber recibido tres tiros en manos de la desquiciada señora Desmond.

La película Sunset Boulevard es una gran critica al cine moderno y a las personas “adictas” (por llamarlo de alguna manera) a las cámaras y a la fama, y esto se puede ver con la locura que Desmond tiene por aparecer en cámara (de más está decir…totalmente dejado al desnudo en la escena final), donde luego de matar a Gillis cree que las cámaras de los noticieros y los periodistas frases como: “las películas ahora han cambiado”, “antes el cine mudo era mejor”…pero ésta, sin duda…es una excelente película.

Granata Cintia.

La mujer del cuadro (The woman in the window) - Fritz Lang (1945)

La mujer del cuadro
AÑO 1944
DURACIÓN 99 min.
PAÍS [Estados Unidos]
DIRECTOR Fritz Lang
GUIÓN Nunnally Johnson MÚSICA Arthur Lange
FOTOGRAFÍA Milton Krasner (B&W)
REPARTO Edward G. Robinson, Joan Bennett, Raymond Massey, Dan Duryea, Edmund Breon
PRODUCTORA International Pictures. Distribuida por RKO
GÉNERO Cine negro. Intriga

Fritz Lang

Nos encontramos ante una de las grandes obras cinematográficas de los años 40. Esta película no es otra cosa que un despliegue de inteligencia, de imágenes sospechosas y tenebrosas. El viaje navega desde la ironía. Es un sueño o una realidad, un desvelo o una pesadilla, consecuencias de la locura que Lang nos regala y hace sentir.
Esta película juega con las teorías psicoanalíticas de Freud, destacando en todas sus escenas la importancia de los sueños, de la sexualidad, de los traumas y sentimientos de culpa.
The woman in the window parte con la presencia del profesor de psicología de renombre Ricard Wanley (Edward G. Robinson), un personaje responsable y honrado, discreto y serio a la vez, quien goza de un buen pasar económico y una familia unida, cierta estabilidad envidiable. Sobre este personaje no cabrían dudas, el no podría ser capaz de semejante atrocidad. Jamás un hombre como él podría tener una amante y lejos estaría de ser un asesino. Pero sorpresivamente no existe otro camino mas que aceptar a Ricard como culpable.

Lo que ocasiona semejante discordia no podría ser algo más simple que el amor. El profesor se enamora alocadamente de un retrato en una ventana, perdiendo sus límites y compostura. Una persona a la que no conoce, una mujer a la que nunca había visto, quien esta muy lejos de pertenecerle.
No pueden quedar afuera aquellas características de cine negro que aquí dicen presente: cigarrillos, alcohol, humo, mujer fatal, lluvia, sombras, noche, sombreros, rostros borrados, música de fondo, quien quiere sacar provecho. El asesinato de un hombre famoso y con un alto nivel económico, la policía que intenta resolver el crimen, la mujer fatal.
Esa mujer seductora e inteligente, clásica (Joan Bennet). Infaltable en este estilo. Una joven muy atractiva físicamente, muy calculadora de sus actos, le gusta engañar y dar impresión de ignorante, cuando en realidad es todo lo contrario. Sabía muy bien a qué hora y a qué tipo de hombre tenía que llevar a su casa para que matase a su amante de manera “accidental”.

Haciendo un paralelo con la película “Laura” (Otto Preminger 1944), se presenta el momento de tensión cuando se escuchan las fuertes bocinas después de que tira el cuerpo; en "Laura" la tensión aparece inmediatamente después de que tira el cuerpo en las vías y el auto no arranca.
Otros elementos que aquí crean tensión son: el tipo de música empleada en determinadas escenas, la luz utilizada, los rostros de los protagonistas en algunas ocasiones. Y situaciones como todos aquellos momentos en los que el profesor aporta pruebas clave en las que se está delatando a él mismo, cuando la mujer con el periódico llama por teléfono al protagonista, etc.
Todo sucede muy rápido, de repente la decepción que nos abarca al advertir que todo lo que contaron como una realidad resultó ser una mentira. Fue un sueño del profesor, su fantasía por conocer la chica del retrato.

Ivana, Gaziano

Laura - Otto Preminger (1944)

EE. UU., 1944
Título original: Laura
Dirección: Otto Preminger
Guión: J. Dratler, R. Lardner, S. Hoffenstein, B. Reinhardt y J.Cady, sobre una novela de Vera Caspary
Producción: Otto Preminger para 20th Century Fox
Música: David Raksin
Fotografía: Joseph LaShelle

Reparto: Gene Tirney (Laura Hunt); Dana Andrews (teniente McPherson); Clifton Webb (Waldo Lydecker); Vincent Price (Shelby Carpenter); Judith Anderson (Ann Treadwell)

El cine negro es fundamentalmente un estilo visual, que posee también sonidos característicos. Lleno de sonidos urbanos y de música Jazz, que en este film no están ausentes.
Pero lo que verdaderamente cataloga a esta película dentro del cine negro, son sus imágenes. La lluvia que cae de noche sobre las calles de la ciudad reflejada en las veredas por la débil luz que dan las farolas, la oscuridad y el humo que no dejan ver bien los rostros borrosos, las marcadas sombras que aparentan un ambiente siniestro y la noche amenazadora donde los personajes se mueven y viven como si sus oscuras motivaciones y secretas culpas no aceptaran o resistieran a la luz del día. Y Laura (Gene Tierney), la protagonista, una hermosa mujer tanto física como intelectualmente, con una personalidad avasalladora que capta la atención de todos los hombres.

Aquí las sensaciones se suben a una montaña rusa. A pesar de respetar muchas de las características del cine negro de los años 40, no es una simple película más.
La historia es atrapante, va de atrás para adelante como si fuese en reversa, captando la atención de los espectadores. Los mantiene atrapados hasta el final, empecinados por saber la verdad.
Otra de las cuestiones que hacen imán a la historia, es el maravilloso guión y los ingeniosos diálogos, de aquellos que no se volverían a escuchar en el cine actual. Preminger maneja la obra con soltura y refinamiento, elegancia en la puesta en escena y suma tensión en las partes de suspenso.
Comienza la película y centra todo el misterio en la protagonista, ese personaje sumamente femenino que le da título al film, esa mujer fatal que obsesiona a todos los hombres tanto por su carismática personalidad como por su espectacular figura.
Convencidos de la muerte de esta mujer, un duro pero a la vez sensible policía, enamorado de su cadáver, debe investigar la muerte partiendo de dos sospechas: el viejo escritor (Clifton Webb) y su vividor y mujeriego prometido (Vincent Price).

Parecía todo resuelto desde el principio. Todas las señales indicaban al asesino cuando de repente todo se da vuelta y aquella dama que todos quedaron con ganas de conocer aparece sorpresivamente con vida, espléndida y radiante, dejando a la audiencia boquiabierta y desconcertada, para complicar aún mas el asunto.
Los invade una profunda confusión, al punto de perder la línea los actores. Ahora quién es el protagonista, si todos fueron y volvieron. No se sabe a quién seguirle los pasos. Esto lo hace aún más atrapante.
Laura es una intensa y radiante película romántica, los celos y la obsesión son el mecanismo temático principal. Todo un clásico del cine negro y una obra para la historia.

Ivana, Gaziano

La Mujer del Cuadro (The Woman in the Window) - Fritz Lang

LA MUJER DEL CUADRO

Título original: The Woman in the Window
Dirección: Fritz Lang
Gión: Nunnally Johnson (basada en la novela de J.H. Wallis)
Fecha de estreno: 3 de Noviembre de 1944
Nacionalidad: Estados Unidos
Reparto: Edward G. Robinson – Joan Bennett – Raymond Massey
Producción: Nunnally Johnsosn
Música: Arthur Lange
Fotografía: Miltos Krasner
Edioción: Gene Foeler Jr. – Marjorie Johnson





Nada es lo que parece pero todo empieza como termina.

Como todo arte es hijo de su tiempo, esta película de 1944, es muy psicoanalista: ¡el protagonista es profesor de psicología! Además, termina con un sueño que incluye esa perfecta mezcla de realidad y fantasía que todo sueño tiene y sugiere una suerte de nuevo comienzo. Pero no es exactamente un empezar de nuevo, sino que podría ser incluso lo contrario, él aprendió (en su sueño) la lección y aparentemente no volverá a cometer las mismas acciones erróneas que lo llevaron sin querer a ser el culpable de un crimen. Pero si no fuera un sueño, ¿sería esta misma su reacción frete a la “simple” Y “desinteresada” petición de “fuego” de una mujer? De esta manera queda plasmada esa cuestión cíclica en la que todo vuelve a suceder y también queda marcado un final resuelto pero no completamente. Es curioso que si miramos el final de manera superficial o desprevenida, nos parece un pequeño gag, y sin embargo es mucho más que eso. Esta clase de cosas son las que hablan del director que está detrás del proyecto, quien sabía y quiso que así fueran las dobles interpretaciones de las escenas. ¡Es, simplemente, un genio!

No parecía posible que un profesor sea capaz de cometer un crimen, y sin embargo lo hizo, pero… ¿le quedaba otra alternativa? No parecía posible que “la mujer del cuadro” fuera capaz de sobornar, y sin embargo lo hizo, pero… ¿le quedaba otra alternativa? Nada es lo que parece pero es lo esperable, lo previsible y aún así uno mira la película atrapado por un suspenso increíble. Una vez más se ve el trazo del director.

Reflexionando sobre la figura femenina (tan importante en este género) la película muestra dos ejemplos: la madre de familia

que es bastante independiente porque al comienzo de la película vemos cómo se despide de su marido y pasará, así, días sin la presencia de éste; pero sabemos (presuponemos) también que sus decisiones son tomadas en conjunto con su marido. Y se muestra el perfil femenino opuesto: la que manipula por completo a ese mismo hombre.

Los clásicos claroscuros del policial negro están presentes como no podría ser de otro modo, las escenas nocturnas predominan, pero hay un manejo pícaro de ésto, por ejemplo: el profesor generalmente aparece entre la oscuridad, pero Alice no, y sin embargo es también responsable del homicidio y quizás la causa directa y última de éste, tentando al hombre con algo tan humano como una relación de pareja. Y no cualquier relación de pareja, una “prohibida” cuya adrenalina generará más y más deseos de concretarla (una vez más Freud dice presente). Esa misma adrenalina se producirá en el espectador al no saber qué depara el futuro del film, que constantemente nos invita a preguntarnos: ¿realmente sabrán o no quién cometió el crimen? ¿Cómo percibirán los investigadores los comentarios y actitudes (por ejemplo cuando suda, se descompone y no quiere investigar con ellos) del Profesor Wanley?

Atreviéndome a producir un diálogo entre películas del mismo género, observo diferencias entre ésta y otras ya que aquí no se utilizaron flash backs, voces en off y relatos que describen lo que va ocurriendo, lo que se da, por ejemplo, en Double Indemnity y Sunset Boulevard de Billy Wilder. Además, en las películas mencionadas lo que mantiene el suspenso es el “cómo ocurrió” la muerte, las causas que derivan en ella remontándose así al pasado. Sin embargo, en La Mujer del Cuadro, la historia pasa por “qué ocurre” paso a paso en el presente a partir de la muerte y no en lo que pasó con anterioridad.

                                                          Double Indemnity 

                                                      Sunset Boulevard.

             

The Woman in the Window, posee miles de detalles con un sentido más que el literal, pero así es Lang, así es el policial negro y así es el cine mismo, y justamente aquí radica su encanto.

Fiorela M. Calabrese

Trailer:

Ministry of Fear (1944)

Podría afirmarse que los rasgos característicos del film serían: los criminales sustituidos por agentes encubiertos nazis que persiguen a Stephen Neale, personaje principal  abandona el sanatorio mental de Lembridge y se ve envuelto situaciones fuera de lo común y sin sentido.

En esta película el espectador no puede deducir desde un principio si el personaje principal es el verdadero criminal de los hechos, sino que va enredando al espectador y dejando abierto un abanico de posibilidades hasta minutos antes de llegar a la parte final. Así el espectador descubre que el personaje que tenía el rol de héroe o bueno, terminará con el mismo papel, mientras que los malos seguirán siendo criminales y también cumplirían alguna pena por sus delitos. Paradójicamente el film muestra a un “loco” como personaje principal, el cual termina sorprendiendo con su actitud a lo largo del policial ya que no era el tipo de persona que le habían asignado, sino que era una persona normal que había tenido la desgracia de afrontar un mal momento y de haber sido acusado injustamente por eso.

Lo característico de esta película negra es la presencia de la lluvia abundante, del cigarrillo tanto en el hombre como en la mujer. El whisky aparece en las escenas en donde los personajes están preocupados o tensos y nunca falta un pequeño vaso de bebida blanca para relajar una situación. A su vez aparecen muy marcados los rostros de los personajes cuando se colocan los sombreros, dejando percibir una parte del rostro y ocultando la otra, logrando un gran contraste en la iluminación de los rostros.

Podemos notar también, que la musicalización va siempre muy acorde a las situaciones y que en determinadas escenas desaparece para transmitir misterio e intriga. Con respecto a la iluminación puede decirse que los grises en sus diferentes tonalidades sirven para resaltar u ocultar como por ejemplo iluminar un rostro y ocultar totalmente todo lo que sea ajeno a él.

La justicia se muestra con una imagen pura, sin corrupción, persiguiendo y atrapando al criminal con éxito, dándole su castigo y volviendo a restablecer el orden social.

La fotografía, de Henry Sharp, en B/N, se sirve de encuadres asimétircos, ángulos inusuales y de un claroscuro de fuerte contrast. Se beneficia de una iluminación que acentúa los efectos expresionistas de luz y sombra. Incorpora secuencias de gran fuerza visual, como por ejemplo, la sesión de espiritismo.

Finalmente dicha película puede verse menos nítida pero se evidencia enl gran logro de contrastes que produce la iluminación en el blanco y negro y personalmente podría decir que aunque las escenas no tengan color, dichas películas le transmiten al espectador las emociones que desean y los propósitos que persiguen como por ejemplo, generar intriga, risa, suspenso y -por qué no-  llegar al llanto.

Agostina Brignone

Sunset Boulevard, Billy Wilder.

Director: Billy Wilder.

Guión: Charles Brackett, Billy Wilder, D.M. Marshman Jr.

Año: 1950.

Duración: 110 minutos.

País: Estados unidos.

Género: Cine negro.

“Sunset Boulevard” protagonizado por Gloria Swanson en el papel de Norma Desmond y William Holden como Joe Gillis; cuenta la historia de una antigua estrella del cine mudo incapaz de aceptar que sus días de gloria pasaron y que sueña con triunfar nuevamente en la pantalla grande. En el transcurso de este sueño, su mayordomo (Erich Von Stroheim) y Joe Gillis tendrán una particular intervención en su vida. Recursos artísticos como la música de fondo no suelen tener una fuerte presencia en películas pertenecientes al género negro. Pero en “Sunset Boulevard” podemos ver cómo está desde el principio hasta el final, inclusive en algunas escenas siendo cómplice y participante explícito de determinadas situaciones. Por ejemplo: Cuando el mayordomo de Norma toca el piano, acompaña la escena que se desarrolla e introduce la música de fondo de forma “accidental”. También, es posible encontrarla cuando ella da una fiesta y los músicos tocan su mansión dándole color a la velada. A diferencia de varios films de cine negro, en Sunset Boulevard es posible detectar la presencia de un narrador, quien desde el principio nos muestra el culmen de la historia y abre las puertas de la misma invitándonos a adentrarnos en ella y ser aquel detective o policía que devele el misterio de la muerte de aquel hombre que yace en la pileta de la gran mansión. Si de invitaciones se trata, Gillis no se queda atrás al “cerrar” la puerta del garaje donde esconde su auto, ya que sólo cierra una de las dos alas de la misma dejándonos ver que hay algo más. Algo que se ve y algo que no… que para descubrir hay que adentrarse e ir más allá. Y esto es literal ya que si deseamos develar qué esconde la puerta cerrada, cuáles son las intenciones del personaje, tendremos que irrumpir en el hogar y en la privacidad de la protagonista. Esta insinuación de que hay más, se evidencia otra vez al observar cómo la luz se filtra por el agujero de la puerta que da a otra habitación, dejando en claro que en el otro recinto está sucediendo algo y que para conocer de qué se trata es necesario abrirla para poder desenmascarar ese misterio. Otra característica de las películas de este género, muy marcada, es la constante presencia de asesinatos o muertes. Si bien en este film no es la trama principal, podemos observar dos muertes, la del mono y la de Gillis; y simbólicamente una tercera que es la de Norma Desmond como estrella de Hollywood. Particularmente “Sunset Boulevard” ofrece una descripción en palabras de los escenarios en los que transcurre la historia llevada a cabo por el narrador. Destaco este punto ya que, la descripción, es un recurso muy poco frecuente en films de cine negro. El juego de luces y sombras es muy utilizado para señalar las multitudes de gente o las ausencias de la misma. Por ejemplo, en el set de filmación, se encienden cuando reconocen a Norma y todos van hacia ella, pero se apagan cuando se encuentra sola en su habitación o en la misma escena las personas se alejan de ella. Si trasladamos estas tonalidades a la vestimenta, es posible observar cómo lo malo que va haciendo Gillis al engañarla e irse con Betty (Nancy Olson) a redactar el guión, los vestidos de la protagonista se adentran en la gama de los colores claros, como si la libraran de culpa y la revistieran de bondad. Particularmente, los personajes mantienen la línea característica del cine negro. Ella es quien posee la autoridad y el control de las situaciones, es la poseedora del dinero y por quien todos actúan en pos de sacar algún provecho. Y él es la persona “normal”, trabajadora, que tiene muchas deudas y debe conseguir el dinero sea como sea para poder solventarlas, salvarse a sí mismo y para ello se somete a la autoridad de la mujer, creyendo sacar provecho de esa situación pero al fin de cuentas termina condicionado y muchas veces, como vulgarmente se dice, “sin el pan y sin la torta”. Ya que al finalizar el film no tiene ni el dinero ni la mujer de la cual verdaderamente se enamoró y sus últimos días de vida se vieron sometidos a una constante de situaciones poco agradables. Al final del film podemos ver una mayor inclusión de personas en las escenas (no muy frecuente en el cine negro) y un juego de la cámara en rallenti cuando Norma baja las escaleras y se despide, finalmente, de su vida exitosa. Este efecto es muy significativo y hasta puede tomárselo como un resumen de la película ya que, esta larga despedida lograda por la cámara lenta es, en sí, en lo que la vida de Norma Desmond se transformó, además de ser parte muy importante de la trama de la película. Así, “Sunset Boulevard” nos ofrece a través de la mezcla de elementos de la comedia con el drama una historia que parece un sueño, que a la vuelta de la esquina puede tornarse en la más amarga pesadilla. Porta, Daniela-.

Película: Besame, Tonto.

Director: Billy Wilder.

Guión:Billy Wilder y I.A.L Diamond.

Reparto: Dean Martin, Kim Novak, Ray Walston, Felicia Farr, Cliff Osmond.

Clímax, pequeña ciudad de los estados unidos será el lugar en donde se desarrollará todo el film. en ella viven personajes como Orville Spooner (Ray Waltson) y su ambicioso amigo Barney (Cliff Osmond) que en cuanto ven llegar la suerte por azar y personificado en el famoso cantante Dino (Dean Martin), deciden armar un plan para pegar un salto a la fama a través de sus canciones.

Es magnífico cómo la película muestra la dualidad entre los dos personajes, el neurótico profesor de piano Orville que Sigue alterado, ciego de celos y preocupado por perder la única suerte que tiene en vida: su mujer Zelda (Felicia Farr) y el personaje de su amigo Barney que desea conquistar la fama y el dinero. Así la película se desarrolla en torno a un plan para que el gran cantante Dino le compre a Orville sus canciones.

Kiss me stupid representa una comedia que rinde homenaje a la música del momento, al jazz  y al cha cha chá, y al propio Dean Martin. El autor pretende hacernos  reír y hacernos reflexionar cuando aparece la figura de de Polly (Kim Novak) con sus curvas y encantos.

 De esta manera, Billy Wilder,  transmite una gran dosis de sensualidad a partir de: la imagen de la mujer, de las relaciones amorosas, los pequeños engaños y los alocados planes para llegar a la fama.